르네상스

인간 시대의 부활을 가져온 거장들과의 만남, 미학적 역사 읽기의 진수 “르네상스는 단테에서 시작해서 미켈란젤로로 마무리되었다” 유럽 역사상 최초의 거대한 문화 전쟁은 어떻게 일어났는가. 문학과 건축, 조각과 회화까지 단박에 정리할 수 있는 흔치 않은 르네상스 역사서. 불과 250여 쪽 속에 방대한 역사적 자료와 인물, 작품 해설 등이 넘쳐나지만, 결코 고답적이거나 지루하지 않다. 당대 인물들과 그들이 남긴 흔적들을 꼼꼼히 살피는 방식을 택했고, 역사서인 동시에 예술 미학서로 읽어도 무방할 정도로 간략하지만 심도 있는 해설을 곁들인다. 지은이가 “르네상스는 역사상 세계적인 투쟁(군사적인 우월권과 정치적인 지배력을 얻기 위한 투쟁)에서 적어도 부분적으로나마 문화적인 성취로 그 성공 여부가 판단되던 보기 드문 시대였다. (위선과 마찬가지로) 문화나 예술을 후원한다는 것이 실은 포악성을 위장하는 경우가 종종 있었다”고 평하는 부분은 인상적이다. 이 책은 총 6장으로 구성되었다. 1장 ‘역사와 경제적 배경’에서는 중세 후기 누적된 부의 집중 현상과 인쇄업의 발달로 대표되는 기술적 혁명이 르네상스의 도래를 부추기는 배경이 되었다고 설명한다. 2장에서 5장까지는 르네상스의 문학과 학문, 조각, 건축, 회화 등을 영역 별로 나누어 천재적 작가와 그들의 작품 해설을 중심으로 르네상스 문화에 대해 본격적인 분석을 한다. 6장에서는 이러한 르네상스의 확산과 쇠퇴를 다루고 있다. 타키투스를 재발견한 것은 보카치오의 공로인 점을 밝히고, “학문을 배우는 방식을 열어 준” 사람으로 평가받는 최초의 인문주의자 페트라르카에 주목한다. 르네상스의 발전에 빼놓을 수 없는 피렌체의 메디치 이야기까지 이어진다. 특히 보카치오의 작품은 “기독교의 독점적인 이야기에 진정한 도전이었다”고 말하며, “에라스무스가 스페인 인문주의자의 영웅이었다면 에라스무스 자신의 영웅은 바로 발라였다”고 강조한다. 단테의 「신곡」, 보카치오의 「데카메론」, 페트라르카의 「시가」, 초서의 「캔터베리 이야기」, 비평 정신의 선구자 로렌초 발라, 에라스무스로 이어지는 르네상스 문학의 발전을 살펴본다. 지은이는 “이탈리아에서 예술의 주역은 더 높이 바라보는 조각가에게, 특히 독립적으로 서 있는 형상이나 기마상을 만들 수 있는 조각가에게 넘어갔다”고 말한다. 특히 도나텔로의 생애와 작품은 우리에게 르네상스가 무엇이었으며, 또 어떤 것이 르네상스가 아니었는지에 대해 많은 이야기를 해 준다. 또한 안드레아 피사노가 피렌체 세례당의 남문에 만든 일련의 청동 부조는 이후 새로운 세대의 조각가들을 평가하는 탁월한 기준이 되었다. 도나텔로의 「다비드」 청동상, 미켈란젤로가 25살에 완성한 「피에타」와 미켈란젤로의 최고 걸작 「모세」까지 살펴본다. 브루넬레스키의 돔으로 대표되는 피렌체 성당의 건축 과정, 브라만테에서 미켈란젤로까지 12명 이상의 건축가가 건설에 참여하여 완성하기까지 200여 년이나 걸린 성 베드로 대성당, 베네치아 도시 전경의 디자이너이자 유일하게 자기 이름을 내건 양식을 만든 르네상스 건축가 팔라디오 등 경이로운 르네상스 건축의 전개 과정을 조망하고, 알베르티의 「건축10서」 논문을 들어 르네상스 건축의 차별성을 역설한다. 특히 “하느님과 시간이 베드로 성당을 만들었지만, 어느 한 사람이 했다면 그는 바로 브라만테일 것이다”고 격찬한다. 프랑수아 1세는 여러 곳에서 들여온 르네상스의 개념을 정교하면서도 거대한 규모로 루아르 강을 따라 프랑스의 성과 궁전에 옮겨 놓았다. 특히 샹보르 성은 유럽에서 가장 뛰어난 건물이 되었다. 원근법과 유화, 캔버스가 도입되며 회화 부문은 가히 폭발적인 전성기를 장식하게 된다. 회화의 이런 변화들은 종교 예술의 독점을 종식하는 상업적인 동력이 되었다. 화가는 궁전 벽화라는 독재 방식의 작업 방식과 귀족과 군주의 손아귀에서 벗어나 신진 부르주아들에게도 그들의 그림을 들여다 볼 기회를 주었다. 화가와 조각가, 건축가들은 계약을 따내기 위해 서로 경쟁하도록 고무되었으며 영광을 위해서는 더더욱 그러했다. 개인 예술가들은 화가로서 존경을 받기 시작하면서, 중세의 익명성에서 벗어나 개인적인 명성을 누리게 되었다. 지은이가 “라파엘로의 작품 안에는 애매모호함이나 신비함, 숨겨진 의미, 이중성, 충격, 거부감, 공포, 전율 등이 전혀 없다. 정신 분석학적인 표상도 없고, 의혹에 가득 찬 현대의 학자들이 이빨을 드러낼 근거가 없다”고 평한 점이 꽤 흥미롭다. 반면에 미켈란젤로는 “자기 스스로가 주로 조각가라고 생각했으며 실제로도 그러했다. 그는 회화 작업을 거의 해본 적이 없다가 로마에 와서 유명한 프레스코 연작화 세 점을 그렸다”. 근대 베네치아 학파의 창시자 조르조네는 인간 특히 여인의 육체를 동시대의 미켈란젤로의 근육성과는 전혀 다르게 그려낸다. 화가들 중에서도 유별나게 생각이 많고 명확했던 알브레히트 뒤러는 르네상스의 진정한 시각을 얻은 인물이었다. 「비너스의 탄생」을 그린 보티첼리는 르네상스 화가 중에서 최초로 고대 신화를 주제 면에서는 물론이고 그 영적인 내용을 사용하기 위해 채택했다. 「모나리자」와 「최후의 만찬」을 그리고 스푸마토 기법을 도입한 르네상스 회화의 완결자 레오나르도가 르네상스를 지성적으로 압도했다면, 라파엘로는 16세기부터 19세기 후반까지 유럽 ‘역사 화가’들의 길잡이가 되었다. ※ 2003년 『르네상스』라는 제목으로 발행되었던 책의 신판임.