그림들

반 고흐, 앙리 마티스에서 키스 해링, 바스키아까지 현대인이 가장 사랑하는 뉴욕 현대 미술관 모마MoMA 베스트 컬렉션 “‘나’의 발길을 붙잡는 그림들이 있다. 그런 그림들 앞에 서면 조금 더 진실한 ‘나’와 만나게 된다.” 빈센트 반 고흐, 앙리 마티스에서 키스 해링, 장 미셸 바스키아까지 현대인이 가장 사랑하는 뉴욕 현대 미술관 베스트 컬렉션, 미국의 그림 해설가가 직접 선정하고 안내하는 모마 미술관 도슨트북으로 만나다! 코로나19, 자가 격리, 재택근무…, 그로 인해 답답함과 고립감, 공허함과 외로움을 느끼는 현대인들에게 청량감을 선물해 줄 예술 교양서 《그림들 : 모마 미술관 도슨트북》이 출간되었다. 이 책은 모마 미술관 도슨트북이라는 부제에서 알 수 있듯이, 현대인들이 가장 사랑하는 뉴욕 현대 미술관 모마의 작품들 중에서도 ‘모마에 가면 반드시 봐야 할 대표 작품들’을 미국 현지의 그림 해설가가 직접 엄선해 친절하게 소개하고 있다. 특히 저자는 지금까지 약 1,700여 회 도슨트를 진행한 전문 그림 해설가답게 독자들이 마치 미술관 현장에서 직접 작품 설명을 듣는 것처럼 쉽고 생생하게 스토리텔링을 곁들여 작품 해설을 하고 있다. 빈센트 반 고흐에서 장 미셸 바스키아까지 모마 미술관에서 소장하고 있는 대표 작품은 물론이고, 모마의 소장 작품은 아니지만 작가의 작품 세계를 이해하는 데 도움이 되는 다른 작품들도 함께 실어 독자들의 이해를 돕고자 했다. 특히 기존에 작가와 작품 해설 중심이던 내용 전개에서 벗어나 모마가 작품을 소장하게 된 배경을 포함해 미술 시장에서 작품의 가치와 판매가 등등 독자들이 평소 궁금해했지만 어디에서도 쉽게 들을 수 없었던 내용까지 세심하게 담아냈다. 이 책의 마지막 장에 한국 화가로서는 최초로 1957년에 모마 미술관에 작품이 전시된 이중섭과 모마의 역사를 숫자로 정리한 특별부록도 눈길을 끈다. 저자는 인생에서 한 번은 모든 사람들이 예술이 주는 기쁨과 위안을 만나게 된다고 굳게 믿고 있으며, 이 책이 그 계기가 되길 바라고 있다. 이제 ‘그림들’이 건네는 위로와 위안 그리고 완전한 휴식 속으로 들어가 보자. 스티브 잡스가 사랑한 화가, 마크 로스코의 그림을 보고 사람들이 우는 이유? 저자에 따르면 미국 내셔널갤러리의 설문조사 “당신은 미술 작품을 보면서 눈물 흘린 적이 있나요?”라는 질문에 약 60퍼센트가 그렇다고 답했는데, 놀랍게도 그중 70퍼센트가 마크 로스코의 작품이었다고 한다. 마크 로스코의 다음 말을 들어보면 그가 어떤 태도로 그림을 대했는지 짐작할 수 있을 것이다. “내 작품 앞에서 눈물을 흘리는 사람은 내가 그림을 그릴 때 가졌던 신성한 종교적 경험을 함께 공유하는 것이다.” -마크 로스코 로스코는 그림을 그릴 때 누구도 보지 못하게 비공개로 작업을 했다고 한다. 그래서 아직도 그가 어떠한 방식으로 색 작업을 했는지 정확히 알지 못한다. 그러나 홀로 그림을 그리면서 자신의 감정을 온전히 작품에 담아내고, 그 감정을 보는 이와 나누고자 부단히 노력했던 것은 분명한 듯하다. 그래서였을까? 애플의 창업자 스티브 잡스는 애플 사옥에 로스코의 대작을 걸고 싶어 했다고 한다. 2011년 세상을 떠나기 직전까지 로스코의 그림에 심취했다. 특히 로스코의 〈넘버 5/ 넘버 22〉처럼 큰 캔버스에 빨강과 노랑, 오렌지색처럼 단순하지만 강렬한 색 덩어리로 표현한 작품을 좋아했다고 한다. 그런데 스티브 잡스는 왜 로스코의 그림에 빠져들었을까? 스티브 잡스는 로스코의 “복잡한 사고의 단순한 표현”이라는 말에 깊이 공감했다고 한다. 그러한 결정체가 애플의 심플한 디자인으로 표현되었다고 할 수 있다. “단순함은 복잡한 것보다 어려울 수 있다. 단순해지려면 생각을 명쾌하게 하는 노력을 기울여야 한다. 그러나 궁극적으로 그 단계에 이르게 되면 태산도 옮길 만큼 가치가 있다.” -스티브 잡스 스티브 잡스가 가졌던 단순함에 대한 철학은 마크 로스코와 닿아 있음을 알 수 있다. 멀리서, 오랫동안 모네의 〈수련〉 모네는 1914년에서 1926년까지 장장 12년간 〈수련〉 시리즈에 매달렸다. 1926년에 여든여섯의 나이로 생을 마쳤으니, 죽기 직전까지 붓을 놓지 않고 계속 손을 본 셈이다. 그는 1883년 프랑스 파리에서 자동차로 한 시간 반가량 걸리는 지베르니로 거처를 옮겨 〈수련〉 시리즈 250여 점을 그려 낸다. 그중 40여 점이 모마에 있는 〈수련〉처럼 대형 패널에 그린 것이다. 1955년, 모마는 미국 최초로 클로드 모네의 대형 패널 〈수련〉 시리즈를 소장하게 된다. 이후 미술관에서 중요한 위치를 차지하게 되는 이 그림은 도시화, 상업화, 기술화가 한창이던 뉴욕에 “예술이 휴식을 제공할 수 있다”는 모네의 신념을 가장 확실하게 각인시킨 작품으로 평가받는다. 그래서일까? 저자에 따르면 모마에서 모네의 〈수련〉은 관람객이 가장 오래 머무는 작품 중 하나라고 한다. 저자는 모마 미술관에서 모네의 〈수련〉을 감상할 기회가 생긴다면 꼭 가까이에서 한 번, 그리고 조금 떨어져서 다시 한 번 보길 권한다. 그리고 가능하다면 작품 앞에 놓인 의자에 최소한 10분 정도 앉아 차분히 감상해 보라고 말한다. 가만히 앉아 작품 속 수련과 정원을 보고 있노라면, 모네가 정성껏 가꾼 지베르니 정원에 와 있는 것처럼 금방이라도 물소리, 바람 소리, 새 소리가 들리는 듯하고 마음이 고요해지는 걸 느낄 수 있을 것이다. “아빠는 이런 그림은 잘 못 그리지?” 아들의 한마디에 로이 리히텐슈타인이 그린 〈이것 봐, 미키〉 예술일까, 만화일까? 일상과 예술의 경계 로이 리히텐슈타인은 만화가 인생의 다양한 모습들을 과장하고 단순화시키는 변형의 힘이 있다고 생각했다. 그래서 대중적이고 전형적인 만화의 이미지를 독특한 양식으로 작품화하였으며, 이때 ‘벤데이 닷츠’의 망점 기법을 응용하여 간결하고 상업적이며 독특한 작품을 제작했다. 그런데 그는 어쩌다 만화에서 영감을 얻게 됐을까? 저자의 설명에 따르면 그건 바로 그의 아들 덕분이었다고 한다. 다소 인기가 시들해진 추상표현주의 작가로 활동하던 리히텐슈타인이 집에서 시간을 보내고 있던 어느 날, 미키 마우스 동화책을 보던 일곱 살 아들이 그에게 물었다. “아빠는 이런 그림은 잘 못 그리지?” 이 말에 자극을 받은 리히텐슈타인은 당장 미키 마우스 그림을 하나 그리게 되는데, 그게 바로 〈이것 봐, 미키〉이다. 실제 만화와 비교해서 감상하면 더 새롭게 느껴질 것이다. 저자에 따르면 1960년대 당시 미술계 주류였던 추상표현주의에 대해 대중은 급격한 피로감을 느끼고 있었다. 작품을 보고 각자 자유롭게 해석하고 느끼라고 하지만, 아무리 봐도 무엇을 표현하고자 했는지 잘 모르겠고 특별한 감흥이 느껴지지를 않는데, 작품에 대한 해석 또한 우리 각자의 몫이라고 하니 자연스레 관심이 멀어질 수밖에 없었다. 그러던 차에 팝아트라는 새로운 미술이 등장한다. ‘팝아트(Popular Art)’는 이름 그대로 ‘대중적인 예술’을 표방한다. 이해하기 쉽고, 눈에 보이는 모든 것, 우리가 일상에서 만나는 모든 것이 예술이 된다고 말한다. 너도 할 수 있고, 나도 할 수 있는, 우리 모두가 해 볼 수 있는 팝아트는 지금도 대중에게 많은 사랑을 받고 있다. 저자는 여전히 팝아트의 시대에 살고 있는 우리에게 너무 어려워 말고 예술을 가지고 재미있게 놀아 보자고 제안한다. ‘예술을 사랑하는 개인’의 기부로 세워진 ‘창조와 혁신의 아이콘’모마 미술관 20만 점의 작품 소장, 한해 평균 300만 명, 56개국에서 방문 미국에는 여